« Dans GENESIS, mon appareil photo a permis à la nature de me parler. Écouter fut pour moi un privilège » - Sebastião Salgado.
En 1970, à 26 ans, Sebastião Salgado se retrouve par hasard pour la première fois avec un appareil photo entre les mains. En regardant dans le viseur, il a une révélation : brusquement, la vie prend un sens. Dès lors - même s'il lui a fallu des années de travail acharné avant d'acquérir l'expérience nécessaire pour pouvoir vivre de son travail de photographe - l'appareil photo devient l'outil par lequel il interagit avec le monde. Salgado, qui a « toujours préféré la palette en clair-obscur des images en noir et blanc » prend quelques photos couleur à ses débuts, avant d'y renoncer définitivement.
Élevé dans une ferme au Brésil, Salgado éprouve un amour et un respect profonds pour la nature; il se montre aussi particulièrement sensible à la façon dont les êtres humains sont affectés par les conditions socio-économiques souvent accablantes dans lesquelles ils vivent. Des nombreuses oeuvres que Salgado a réalisées au cours de son admirable carrière, trois projets de longue haleine se démarquent particulièrement: La Main de l'homme (1993) qui illustre le mode de vie bientôt révolu de travailleurs manuels du monde entier, Exodes (2000), témoignage sur l'émigration massive causée par la faim, les catastrophes naturelles, la dégradation de l'environnement et la pression démographique, et ce nouvel opus, GENESIS, résultat d'une expédition épique de huit ans à la redécouverte des montagnes, déserts et océans, animaux et peuples qui ont jusqu'ici échappé à l'empreinte de la société moderne - les terres et la vie d'une planète encore préservée. « Près de 46% de la planète semblent encore comme au temps de la Genèse », fait remarquer Salgado. « Nous devons sauvegarder ce qui existe. » Le projet GENESIS, en lien avec l'Instituto Terra créé par Salgado cherchent à montrer la beauté de notre planète, à inverser les dommages qu'on lui a infligés et à la sauvegarder pour les générations futures.
Au cours de 30 voyages, à pied, en avion léger, en bateau, en canoë et même en ballon, par une chaleur extrême ou un froid polaire et dans des conditions parfois dangereuses, Salgado a réuni des images qui nous montrent la nature, les peuples indigènes et les animaux dans toute leur splendeur. Maîtrisant le monochrome avec un talent qui rivalise avec celui du virtuose Ansel Adams, Salgado fait entrer la photographie noir et blanc dans une autre dimension ; les nuances de tons de ses oeuvres, le contraste entre le clair et l'obscur, évoquent les tableaux de grands maîtres comme Rembrandt et Georges de la Tour.
Que découvre-t-on dans GENESIS? Les espèces animales et les volcans des Galápagos ; les manchots, les lions de mer, les cormorans et les baleines de l'Antarctique et de l'Atlantique sud ; les alligators et les jaguars du Brésil ; les lions, les léopards et les éléphants d'Afrique; la tribu isolée des Zoé au fin fond de la jungle amazonienne ; le peuple Korowaï vivant à l'âge de pierre en Papouasie occidentale ; les éleveurs de bétail nomades Dinka du Soudan; les nomades nénètses et leurs troupeaux de rennes dans le cercle arctique; les communautés mentawai des îles à l'ouest de Sumatra ; les icebergs de l'Antarctique; les volcans d'Afrique centrale et de la péninsule du Kamtchatka ; les déserts du Sahara ; le rio Negro et le rio Juruá en Amazonie; les failles du Grand Canyon; les glaciers de l'Alaska... Après s'être rendu là où personne n'était jamais allé, et avoir consacré tant de temps, d'énergie et de passion à la réalisation de cet ouvrage, Salgado considère GENESIS comme sa « lettre d'amour à la planète ».
Contrairement à l'édition limitée, conçue comme un portfolio grand format zigzaguant autour de la planète, l'édition grand public présente une sélection différente de photographies organisées par zones géographiques en cinq chapitres: Aux confins du Sud, Sanctuaires, Afrique, Terres du Nord et Amazonie et Pantanal. Chacune à sa manière, l'édition d'art et l'édition grand public - toutes deux conçues et réalisées par Lélia Wanick Salgado - rendent hommage au projet GENESIS de Salgado, aussi grandiose qu'exceptionnel.
La légende de Jean-Michel Basquiat est toujours bien vivante. Synonyme du New York des années 1980, l'artiste apparaît pour la première fois sous la forme du tag SAMO, signature des commentaires caustiques et de fragments de poèmes qu'il inscrit sur les murs de la ville. Il surgit comme un élément d'une scène underground en pleine expansion, faite d'arts visuels et de graffitis, de hip-hop, de post-punk et de cinéma indépendant, destinée à rejoindre le florissant monde de l'art. Doué d'une puissance et d'une voix toute personnelle, Basquiat rompit avec le milieu établi et exposa grâce au circuit des galeries du monde entier. Basquiat trouva son propre mode d'expression dans un style mêlant formes brutes, mots et phrases. Son oeuvre s'inspire des grands noms du jazz, de la boxe et du basket, et fait allusion aux secrets de l'histoire et aux sujets politiques urbains. Quand on l'interrogeait en effet sur ses sujets, il répondait: «la royauté, l'héroïsme et la rue». En 1983, il commença à collaborer avec l'une des stars les plus célèbres de l'art, Andy Warhol, et en 1985 il réalisa une couverture pour le New York Times Magazine. Lorsqu'il meurt, à 27 ans, il est reconnu comme l'un des artistes le plus talentueux de son temps. Publié à l'origine en édition format XXL, cet aperçu inédit de l'art de Basquiat est désormais disponible dans un ouvrage plus accessible et compact en l'honneur du 40e anniversaire de TASCHEN. Grâce aux reproductions exceptionnelles de ses peintures, dessins et croquis les plus importants, il offre une proximité saisissante avec Basquiat à travers ses signes mystérieux et ses mots griffonnés, éclairés par une présentation de l'artiste par l'éditeur Hans Werner Holzwarth et un essai sur ses thèmes de prédilection et son évolution artistique de l'historienne d'art et conservatrice Eleanor Nairne. La vie de l'artiste est retracée, année après année, à travers des chapitres richement illustrés enrichis des citations de Basquiat et des textes critiques parus à l'époque, permettant de mieux appréhender son expérience personnelle et le contexte historique de son oeuvre.
En 2016, le géant du sportswear Nike et le créateur de mode Virgil Abloh unissaient leurs talents pour composer une collection de sneakers qui mettrait à l'honneur 10 des modèles les plus emblématiques de la marque basée dans l'Oregon. Ce projet, baptisé The Ten, qui réinventa des icônes comme la Air Jordan 1, la Air Max 90, la Air Force 1 et la Air Presto, a galvanisé la sneaker culture. Les créations de Virgil Abloh, dont le cachet culturel saute aux yeux, exploitent des trésors d'ingéniosité et d'ingénierie. En partant du génie original de la chaussure, grâce au lettrage, au collage et aux techniques de façonnage, Abloh jouait avec le vocabulaire et les éléments structurels pour élaborer un sens nouveau, non sans ironie. Inspiré par l'espièglerie du dadaïsme, par la théorie architecturale et les happenings d'avant-garde, il analysait grâce à quels éléments un modèle était reconnaissable entre mille, puis le déconstruisait pour former un assemblage artistique où chaque chaussure devenait une pièce de design industriel, une sculpture readymade portable. ICONS retrace l'approche artistique d'Abloh, à la fois créateur et enquêteur, à travers des schémas de prototypes, des échanges de messages entre Abloh et les designers de Nike et des trésors issus des archives Nike. Les virgules d'une paire d'Air Jordans se retrouvent découpées et réappliquées avec du ruban ou du fil, on retrouve les bouts de texte entre guillemets typiques d'Abloh sur les Air Force 1 et les All Stars sont taillées en pièces. L'ouvrage vous ouvre les coulisses et révèle l'approche empirique d'un Abloh bricoleur génial, qui donnait un aspect unique à chaque modèle de sa collection Off-WhiteTM c/o Nike. Ce lexique de la déconstruction se reflète dans la reliure à la Suisse, qui dénude le dos des cahiers et révèle ainsi le processus de fabrication du livre. Le livre décrit le travail collaboratif mis en place par Abloh et réaffirme la force de l'imprimé. Pour sa conception, Nike et Abloh se sont associés au célèbre studio de création londonien Zak Group. Ensemble, ils ont imaginé un recueil en deux parties égales: d'une part un catalogue, de l'autre une boîte à outil conceptuelle. La première présente la culture visuelle liée à la chaussure de sport, le lexique de la seconde définit les personnages, lieux, objets, idées, matériaux et contextes qui ont permis à ce projet d'exister. Les textes rédigés par Nicholas Schonberger de Nike, l'auteur Troy Patterson, l'historien et conservateur Glenn Adamson et Virgil Abloh lui-même inscrivent cette collaboration dans l'histoire de la mode et du design, tandis que l'avant-propos d'Hiroshi Fujiwara inscrit le projet dans la continuité des collaborations prisées par Nike.
En 2002, Simon «Woody» Wood imaginait toutes sortes de stratagèmes pour obtenir des sneakers gratuites. Deux semaines plus tard, il était le fier patron de Sneaker Freaker, et sa vie en était changée à jamais.
Depuis ses débuts de fanzine punk jusqu'au contenu léché de ses actuelles publications papier et en ligne, ce magazine farouchement indépendant a décrit et commenté toutes les collaborations, modèles sur mesure, éditions limitées, rééditions de modèles rétro, quickstrikes, hyperstrikes et tier zéro commercialisées ses 15 dernières années.
Le but initial de Woody, que Sneaker Freaker soit «à la fois drôle et sérieux, chargé de sens et frivole», est pleinement atteint dans The Ultimate Sneaker Book. Avec plus de 650 pages saturées de connaissances expertes assorties d'observations irrévérencieuses et d'incroyables détails historiques, cette bible de la chaussure de sport détournée témoigne d'une minutie fervente et obsessionnelle qui frise la monomanie.
Traversant 100 ans d'histoire, chaque chapitre présente joyeusement les tendances et évolutions de l'industrie de la sneaker. Air Max, Air Force, Adi Dassler, Converse, Kanye, Dapper Dan, Dee Brown, Michael Jordan et Yeezy - ainsi que des bijoux plus confidentiels comme les Troop, Airwalk et autres Vision Street Wear -, tous les modèles de légende sont décrits.
Voici une source ultime de savoir. Gardez vos lacets libres!
Le Caravage, de son nom de baptême Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610), a toujours été de ceux que l'on n'oublie pas. Célèbre mauvais garçon de la peinture italienne, l'artiste fut aussi honoré que controversé: violent de tempérament, précis dans sa technique, d'une créativité géniale, il fut aussi un homme en fuite. Il est aujourd'hui considéré comme un des personnages les plus influents de l'histoire de l'art. Cette édition offre un catalogue raisonné exhaustif et détaillé du Caravage. Chacune de ses toiles y est reproduite à partir de photographies récentes en haute résolution, qui permettent un face-à-face troublant avec l'éventail de regards et de gestes génialement composé par l'artiste, ainsi que de nombreux détails révélateurs de son naturalisme hautement novateur. Cinq chapitres relatent le parcours artistique complet du Caravage, ses premières commandes publiques à Rome et son ascension vers la gloire, et retracent sa tumultueuse vie personnelle, où le drame rôda autant que dans ses toiles.
Culminant dans les années 1960, le Pop Art est né en rébellion contre les approches traditionnelles de l'art et de la culture avant d'évoluer vers une vaste remise en question de la société moderne, de la culture de consommation, du rôle de l'artiste et de ce qui fait une oeuvre d'art.
En se concentrant sur les enjeux du matérialisme, de la célébrité et des médias, le Pop Art s'est inspiré de la culture de masse, de l'imagerie publicitaire aux comics, des têtes les plus connues de Hollywood aux emballages de produits de consommation, dont les boîtes de soupe Campbell's d'Andy Warhol sont le meilleur exemple. Tout en défiant l'establishment en élevant au rang d'oeuvre d'art des images aussi populaires, banales et kitsch, le Pop Art a également déployé des méthodes de production de masse, plaçant l'artiste singulier en retrait par des techniques mécanisées comme la sérigraphie.
À travers Andy Warhol, Allen Jones, Ed Ruscha, Robert Indiana, Jasper Johns, Robert Rauschenberg et Roy Lichtenstein, entre autres, ce livre illustre toute la portée et l'influence de ce mouvement moderniste déterminant.
Livre d'histoire, livre d'art et livre de souvenirs captivants, ce livre pluriel compose une vue d'ensemble sur plus de deux siècles d'histoire du tatouage, un éclairage personnel sur la vie des tatoueurs, leur combats et leurs triomphes, les risques professionnels et le courage artistique qui font le sel de cette histoire.
Depuis quarante ans, Henk Schiffmacher se voue corps et âme à sa collection, amassant croquis, motifs, photos et autres documents témoin du monde entier. Chacun des cinq chapitres du livre présentent les pièces maîtresses de cette collection - lithographies, estampes, instruments de tatouage, peintures, photos, affiches, enseignes, dessins originaux et ces motifs de tatouage que les professionnels appellent des «flashes», notamment de planches de flashes vintage extrêmement rares signées par des figures majeures du tatouage occidental à se premières heures. L'ampleur et la variété du tatouage dans le monde s'expose au gré des quelques 700 images du livre: le tatouage indigène des Maoris et des îliens du Pacifique Sud, les traditions antiques de l'Asie et les origines du tatouage occidental old school en Europe et aux États-Unis. Le livre contient aussi une douzaine d'illustrations originales de Schiffmacher typiques de son style inimitable, ainsi qu'une introduction personnelle décrivant le voyage de Schiffmacher l'artiste et le collectionneur, qui façonna sa vision de cet art et de son évolution des bas fonds au grand public.
Schiffmacher pose un regard fascinant sur l'histoire du tatouage à travers ses réflexions personnelles et le récit trépidant de ses aventures. Avec ce livre, nous en apprenons beaucoup sur l'histoire du tatouage, mais aussi sur les épopées et aléas qui ont émaillé la constitution d'une des plus importantes collections dédiées au tatouage dans le monde, par un tatoueur autodidacte amoureux de l'art et de ses pionniers.
Que vous songiez à vous faire tatouer ou que vous soyez juste curieux de savoir jusqu'où les autres sont allés, voici le livre qu'il vous faut. Cette édition spéciale de 1000 Tattoos explore l'histoire de cet art dans le monde entier grâce à de nombreux motifs et photographies - des gravures du XIXe siècle au «body art tribal», des femmes de cirque aux motifs préférés des motards du XXe siècle - et vous offre un aperçu fascinant de l'art du tatouage.
Aux États-Unis en 1935, au milieu des ravages de la Grande Dépression, la United States Farm Security Administration (FSA) est fondée pour répondre à la pauvreté qui touche les campagnes du pays. Elle vise à améliorer les conditions de vie des métayers, des petits exploitants et des fermiers pauvres propriétaires de terrain par des programmes de relocalisation et de collectivisation, ainsi que par l'instauration de nouvelles méthodes de culture agricole. En parallèle, dans le cadre de son projet de documentation, la FSA engage des photographes et des écrivains pour rendre compte de la pauvreté du milieu rural et ainsi « révéler l'Amérique aux Américains ».
Cet ouvrage rend compte de l'immense portée du travail réalisé par la FSA entre 1935 et 1943, honorant sa détermination et son engagement à évoquer tous les sujets, à parcourir tous les États et à réunir toutes les esthétiques. Les photographes étaient répartis dans quatre immenses régions mais pouvaient agir de façon autonome, afin de livrer leurs impressions personnelles dans le même temps qu'ils participaient à cette mémorable enquête sur une nation. Au fil de leurs images en couleurs ou en noir et blanc, on croise des ouvriers du coton, des enfants au détour d'une rue et des ouvriers relocalisés en chemin. On voit ces sujets, en proie aux éléments naturels, aux moments qui rythment la vie humaine, ainsi qu'aux aléas de l'économie mondiale. On croise une icône immortalisée par Dorothea Lange, cette Mère migrante aux traits burinés, à l'expression soucieuse, entourée de ses deux enfants.
Ces images ont en commun leur engagement à montrer la singularité et la dignité de chaque sujet, autant qu'à témoigner d une période particulière de l'histoire de l'Amérique et à saisir ces étapes universelles qui voient tout être humain grandir, jouer, manger, vieillir, souffrir et mourir. Devant l'objectif de photographes aussi lucides que sensibles, parmi lesquels Dorothea Lange, Jack Delano, Russell Lee, Marion Post Wolcott, Walker Evans et Ben Shahn, les sujets de ces photos se révèlent soumis aux épreuves de leur destin et de l'Histoire, pris dans le tourbillon de la vie et pourtant faisant face au spectateur avec ce qui leur appartient totalement: une présence singulière, unique, inoubliable.
Destiné aux collectionneurs chevronnés ou aux novices émerveillés, ce volume constitue l'ultime anthologie des voitures de sport. Avec 50 des modèles les plus magnifiques, les plus désirables et les plus grisants de tous les temps, il déroule le récit fabuleux d'une aventure créative et technique vers la performance optimale sur route et sur piste. Un tour d'horizon mené de main de maître des bolides biplaces de légende, des sportifs taillés pour la course à leurs petites soeurs homologuées pour la route - certains des plus fascinants datent de l'âge d'or de la course automobile, jusqu'à la fin des années 1960, lorsque des gentilshommes aux allures de corsaires amenaient leurs voitures aux compétitions, comme les fameuses 24 Heures du Mans, jetaient toutes leurs forces dans la course, qu'ils gagnaient parfois, avant de rentrer sans se presser.
Les 50 voitures de sport recensées ici, parmi les plus recherchées, de la Bearcat Model A de 1912 par Stutz ou la 8 C 2900B MM Spider de 1938 par Alfa Romeo à la 300 SLR « Uhlenhaut Coupé » de 1955 par Mercedes-Benz 300 SLR - la plus chère du monde - et la 250 GTO Série II de 1962/1964 par Ferrari, font de ce superbe volume une mine d'or. Chacun de ces modèles légendaires fait l'objet d'une présentation somptueuse aux images superbes, oeuvres des plus grands photographes automobiles du monde ou pépites d'archives - photos d'usine originales ou affiches de grands rendez-vous sportifs, accompagnées de descriptions d'experts et de spécifications, puisées dans la connaissance intime et l'expérience internationale des auteurs.
Le Caravage, né Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610), n'a jamais laissé indifférent. Célèbre mauvais garçon de la peinture italienne, il savait déclencher les passions autant que le scandale: bouillonnant et créatif, c'était un artiste révolutionnaire et un contemporain belliqueux.
Cet ouvrage propose une présentation exhaustive de l'oeuvre du Caravage accompagnée d'un catalogue raisonné de ses toiles. Chacune est reproduite en grand format, grâce aux techniques de reproduction photographique les plus récentes et sophistiquées qui permettent de découvrir en gros plan les détails saisissants que le génie du Caravage imprimait aux gestes et aux regards, comparables en tous points à des mises en scène de cinéma.
Cinq chapitres introductifs analysent la carrière artistique du Caravage depuis les premières années de misère jusqu'aux commandes publiques qui le menèrent à Rome et à la gloire, puis aux dernières années tragiques à Naples, à Malte et en Sicile. Ils soulignent l'audace de son naturalisme novateur et ses inventions picturales véritablement révolutionnaires par lesquels même les sujets bibliques se déploient avec une immédiateté sans précédent.
Les pochettes de disques sont un indice de l'air du temps. Tout comme la musique qu'elles viennent illustrer, elles évoquent l'amour, la vie, la mort, la mode et la révolte. Pour les passionnés de musique, les pochettes de disques sont le reflet d'une période, d'un moment donné de leur existence. Beaucoup d'entre elles, véritables oeuvres d'art, sont devenues aussi célèbres que la musique qu'elles illustrent, comme les pochettes d'Andy Warhol, par exemple, dont la banane qu'il réalisa pour le Velvet Underground.
Cette édition de Record Covers présente une sélection des meilleures pochettes d'albums de rock des années 1960 aux années 1990, choisies dans l'immense collection privée de Michael Ochs, archiviste de musique, disc-jockey, journaliste et ancien chef de pub pour des maisons de disque. Cet ouvrage, qui se lit indifféremment comme un voyage dans le temps ou une étude générale sur l'évolution du cover art, rend enfin justice à une forme d'expression artistique trop sous-estimée.
«La façon dont les hommes sont perçus par le monde de la photographie et de la mode, de même que le regard des hommes sur leur propre image, ont changé au cours des dernières années. Il existe un intérêt nouveau pour ce sujet : l'image de l'homme, le style individuel d'un homme, une nouvelle attention portée sur le visage et le corps du mâle.» - Mario Testino De Rio à Londres, de Cusco à Séville, Mario Testino est réputé pour son non-conformisme appliqué à ses chroniques sur la mode et le style. Au fil des pages de SIR, l'artiste de premier plan présente plus de 300 photos comme autant de témoignages de sa quête d'une définition de la séduction masculine.Comprenant un texte de Pierre Borhan, une interview de Patrick Kinmonth et de nombreuses oeuvres inédites choisies parmi des milliers dans les archives de Testino, le livre retrace l'évolution de l'identité masculine durant ces trente dernières années. Habillement, tradition, rôle des genres, art du portrait, photojournalisme et mode s'entrechoquent dans l'étude de la masculinité que réalise Testino à travers toutes les manifestations modernes de la séduction: du dandy au gentleman, du macho à l'extraverti, de la célébrité mondiale à l'anonyme le plus complet.
Chaque photo reflète un point de vue unique et un dialogue visuel particulier entre l'artiste et son modèle. Avec Josh Hartnett pour VMAN (2005), Testino évoque la descente aux enfers de Helmut Berger dans Les Damnés de Luchino Visconti. Dans les études de Brad Pitt, George Clooney, Jude Law et Colin Firth, la spontanéité le dispute à la curiosité. David Beckham, David Bowie, Mick Jagger et Keith Richards incarnent quant à eux le courage dont ils ont fait preuve en redéfinissant l'éternel masculin par leur style singulier. Formant une mosaïque d'apparences, ces portraits rendent hommage à la remarquable intuition de Testino et à son talent pour saisir la période qui vit les hommes explorer leur rôle, leur style et leurs attitudes.
Parce qu'elle ne cesse jamais de s'étendre et d'innover, la conception d'emballage est un des secteurs les plus vivants, évolutifs et concurrentiels du design actuel. Il est influencé par de nombreux facteurs, comme les attentes croissantes des consommateurs, des stratégies marketing de plus en plus contraignantes, l'évolution des pratiques environnementales et la volonté d'adhérer aux revendications en termes de diversité, notamment culturelle. En se développant à cette cadence aussi rapide qu'astreignante, la conception d'emballage a englobé des ingrédients et des experts de tous horizons -designers, prestataires de service, fournisseurs de matériaux et imprimeurs - pour former un écosystème à part entière.Les Pentawards voguent sur cet essor et mettent le secteur en ébullition depuis 15 ans. Chaque année, la remise de ces prix établit une référence mondiale en termes de qualité en désignant les créations les plus éclectiques et futées. Le Package Design Book - Volume 2 présente les lauréats de la décennie passée et célèbre l'emballage comme forme d'art kaléidoscopique. Il expose les développements les plus récents et inattendus mais dresse aussi un panorama clair de l'évolution de cette industrie, notamment dans le domaine des nouveaux matériaux et de la responsabilité environnementale.
Nous avons tant vu certains bâtiments des années 1950 et 1960 dans des livres ou des magazines qu'ils représentent aujourd'hui l'esprit du design architectural de cette époque. Mais qu'en est-il de ceux qui ont été oubliés en route et qui n'ont jamais, ou presque, trouvé leur place dans ces publications?
Le flux d'informations visuelles est absolument essentiel au développement, à l'évolution et à la promotion des courants architecturaux. Un bâtiment qui n'est pas assez mis en valeur et dont on ne publie quasiment pas, voire jamais, la photo, ne pourra jamais être pris en compte dans le discours général sur l'architecture. Julius Shulman a photographié de nombreux bâtiments dont les clichés sont tombés dans l'oubli, et eux avec. Grâce à ce livre, TASCHEN les fait sortir de l'ombre et propose un grand hommage au modernisme californien sous toutes ses formes.
Les archives inexploitées de Julius Shulman font apparaître un visage oublié du modernisme. En rassemblant près de 300 chefs-d'oeuvre délaissés, Modernism Rediscovered rend hommage à ces réalisations moins célèbres, mais tout aussi exceptionnelles et essentielles dans la constitution de ce mouvement moderne de l'architecture. C'est un peu comme si on se glissait à l'intérieur d'une histoire intime, dans des maisons rarement présentées que l'on n'avait jusqu'ici pas vraiment eu la chance d'apprécier...
Vices ou vertus? La consommation d'alcool et de tabac procure aux annonceurs des produits qui se prêtent à une véritable orgie visuelle. Ce plantureux recueil de publicités explore les multiples représentations de ces pratiques, tantôt élégantes, tantôt décalées, et révèlent comment les fabricants ont encouragé le grand public à s'imbiber et s'asphyxier durant tout le XXe siècle.
Page après page défilent les tendances de chaque époque en matière d'alcool et de tabac, dans un festival de bons mots et de mascottes devenues des icônes, dont certains, comme le cow-boy Marlboro ou le chien Spuds MacKenzie, sont si étroitement liés à la culture populaire américaine qu'il leur suffisait d'apparaître dans une publicité pour promouvoir un produit invisible. D'autres annonceurs ont échafaudé des approches plus subtiles et sophistiquées pour vendre leur marchandise, une stratégie parfois très efficace, comme l'a démontré le succès phénoménal de la campagne Absolut. Même les médecins ont apporté leur contribution perverse à cette entreprise de propagande, en certifiant que fumer aidait à calmer les nerfs et à adoucir la gorge, et en vantant l'alcool comme un philtre de réussite sociale.
Que vous vous adonniez à ces plaisirs coupables par inhalation et déglutition ou que le plaisir des yeux vous suffise, vous ne manquerez pas d'être captivés par cette exploration d'un chapitre bien tassé, et souvent polémique, de l'histoire de la pub.
Fondé en 1928 par le grand architecte et designer milanais Gio Ponti, qui voulait en faire un « journal vivant », domus a été salué comme le magazine d'architecture et de design le plus influent au monde. Alliant style et rigueur, il a traité en profondeur des thèmes et évolutions de style majeurs en matière de design industriel, de produit, de structure et d'intérieur.
Cette toute nouvelle réédition des domus des années 1950 rassemble les éléments les plus marquants d'une ère marquée par l'optimisme d'après-guerre. Alors que les souvenirs des conflits s'estompent, l'architecture et le design partent en quête de nouveaux matériaux, de nouvelles formes et applications, et cherchent à renforcer un dialogue international. Vous découvrirez entre autres oeuvres-phares les réalisations de Le Corbusier pour le siège des Nations Unies à New York, de Richard Neutra en Californie, les Case Study Houses et le mobilier de Charles et Ray Eames, les machines de bureau d'Olivetti, les céramiques et tables d'Ettore Sottsass et le Showroom Herman Miller d'Alexander Girard à San Francisco.
Domus comprend Sept volumes couvrant la période de 1928 à 1999 Plus de 4.000 pages abordant les grands projets des designers et architectes les plus importants Les maquettes originales et l'ensemble des couvertures, accompagnées de légendes fournissant des repères et des informations sur le contexte Essais introductifs écrits par des architectes et des designers de renom Chaque édition comprend en annexe la traduction anglaise des textes, certains n'étant jusqu'à maintenant accessibles qu'en italien Un index complet des noms des designers et des fabricants dans chaque volume
Grills incrustés de diamants, «chaînes en or qui brillent», montres Rolex et Patek Philippe ou colliers Tiffany, la joaillerie est une pierre angulaire de la culture hip-hop. Les bijoux outranciers sont l'éblouissant signe extérieur d'une identité collective qui s'affirme sans complexe ni demi-mesure et d'un charisme qu'imprègne la sagesse du bitume.
Ice Cold raconte l'histoire du bijou hip-hop de ses débuts dans les années 1980 à nos jours, grâce à une sélection sans pareil de témoignages et d'images. Des centaines de clichés de toutes les têtes d'affiche de ce genre visionnaire montrent combien «tout ce qui brille» est devenu un outil d'affirmation identitaire et d'expression individuelle.
Depuis les pendentifs Adidas en or massif de Run-DMC, les épaisses chaînes torsadées et les médaillons mercedes d'Eric B. & Rakim, cette joaillerie née de la rue s'est épanouie dans l'univers de la culture et du design. La tradition de la parure ostentatoire - « se montrer et en montrer » - s'est transformée pour atteindre de nouveaux sommets au contact d'un milieu créatif effervescent et d'artistes pointus comme Pharrell Williams, Jay-Z, Gucci Mane et Cardi B. Les pièces exubérantes qu'ils portent, et conçoivent parfois en partenariat avec des plasticiens comme Takashi Murakami, mêlent emblèmes de la culture populaire et matériaux anticonformistes.
L'auteure Vikki Tobak révèle - dans les moindres détails - le travail de joailliers novateurs comme Tito Caicedo chez Manny's, Eddie Plein ou Jacob the Jeweler, et beaucoup d'artisans moins connus, parmi lesquels Avianne & Co., Ben Baller/IF & Co., Greg Yuna, Johnny Dang ou Eliantte.
Ice Cold expose un style éblouissant et inspiré, à travers l'objectif des plus grands photographes contemporains, dont Wolfgang Tillmans, Janette Beckman, Jamel Shabazz, Timothy White, Gillian Laub, David LaChapelle, Danny Clinch, Chris Buck, Mike Miller, Phil Knott, Raven B. Varona, Al Pereira et Albert Watson. L'avant-propos de la superstar du hip-hop Slick Rick et les essais d'AAP Ferg, LL COOL J, Kevin «Coach K' Lee» et Pierre «P» Thomas de Quality Control Music nous plongent dans le monde singulier du bling-bling. Ice Cold dépasse le signe ostentatoire de richesse pour dévoiler sa facette talismanique et transformatrice.
«Rien n'est comparable aux Alpes», écrit le grand historien Jules Michelet en 1868. Au coeur de l'Europe, l'énorme massif des Alpes compte quelques-uns des sites naturels les plus grandioses du monde - le mont Blanc, la Jungfrau, le Cervin et leurs glaciers. Le tourisme qui naît à la fin du XVIIIe siècle s'y imposera aux siècles suivants avec, notamment, l'irrésistible essor des sports d'hiver. Ce livre vous transporte dans une époque délicieusement surannée où les premiers petits trains de montagne et les chemins de fer à crémaillère convoyaient des messieurs en culotte de peau et des dames en robe longue au pied des glaciers
Fondé en 1928 par le grand architecte et designer milanais Gio Ponti, qui voulait en faire un « journal vivant », domus a été salué comme la revue d'architecture et de design la plus influente au monde. Alliant style et rigueur, elle a traité en profondeur des thèmes et des évolutions de style majeurs en matière de design industriel, de produit, de structure et d'intérieur.
Cette toute nouvelle réédition des domus des années 1940 rassemble les éléments les plus importants d'une décennie marquée par la destruction et la reconstruction. Au plus fort de la guerre, y compris durant les raids aériens qui ont bombardé Milan, domus n'a cessé de paraître, retraçant l'esprit du temps en matière de design, pendant que se succédaient les directeurs et les responsables de publication pour pallier la « vacance » de Ponti, entre 1941 et 1948. Les pages couvrant cette période abordent le design et le mobilier moderne industriel, les nouvelles maisons en préfabriqué, l'architecture académique américaine, les réalisations de Carlo Mollino, Gian Luigi Banfi, Franco Albini et Giuseppe Terragni, sans oublier l'essor, après-guerre, du design organique.
Domus comprend Sept volumes couvrant la période de 1928 à 1999 Plus de 4.000 pages abordant les grands projets des designers et architectes les plus importants Les maquettes originales et l'ensemble des couvertures, accompagnées de légendes fournissant des repères et des informations sur le contexte Essais introductifs écrits par des architectes et des designers de renom Chaque édition comprend en annexe la traduction anglaise des textes, certains n'étant jusqu'à maintenant accessibles qu'en italien Un index complet des noms des designers et des fabricants dans chaque volume
Fondé en 1928 par le grand architecte et designer milanais Gio Ponti qui voulait en faire un « journal vivant », domus a été salué comme le magazine d'architecture et de design le plus influent au monde. Alliant style et rigueur, il a traité en profondeur des thèmes et évolutions de style majeurs en matière de design industriel, de produit, de structure et d'intérieur.
Cette nouvelle réédition reprend les meilleurs numéros des années 1960 et documente les merveilleux projets audacieux et pratiques d'une décennie grisée par le frisson futuriste et l'explosion de la pop culture. Synthétiques et plastiques font leur entrée sur scène, entraînant un design radicalement nouveau, alors que les notions conventionnelles d'élégance laissent la place à des formes expérimentales inédites. Pour qu'une oeuvre figure dans le magazine, elle devait allier fonctionnalité, clarté spatiale, persuasion intellectuelle, originalité pertinente et/ou beauté. Parmi les projets et professionnels retenus figurent Ray et Charles Eames, Gae Aulenti, Kenzo Tange, Verner Panton, Achill et Pier Giacomo Castiglioni, Ettore Sottsass, Carlo Scarpa, Angelo Mangiarotti, Cesare Maria Casati et Eero Saarinen.
Domus comprend Sept volumes couvrant la période de 1928 à 1999 Plus de 4.000 pages abordant les grands projets des designers et architectes les plus importants Les maquettes originales et l'ensemble des couvertures, accompagnées de légendes fournissant des repères et des informations sur le contexte Essais introductifs écrits par des architectes et des designers de renom Chaque édition comprend en annexe la traduction anglaise des textes, certains n'étant jusqu'à maintenant accessibles qu'en italien Un index complet des noms des designers et des fabricants dans chaque volume
Durant son âge d'or, le cirque américain a été la plus importante industrie de divertissement au monde. Du milieu du XIXe au milieu du XXe siècle, les cirques itinérants américains se produisaient devant un public pouvant atteindre 14 000 spectateurs par spectacle, employaient parfois jusqu'à 1600 femmes et hommes et sillonnaient les quelque 32 000 kilomètres de voies ferrées du pays en une seule saison. Le spectacle de casse-cou défiant la mort, de super-héros costauds et de starlettes légèrement vêtues, d'intrépides dompteurs et de «monstres» stupéfiants ont enflammé l'imagination des Américains, éclipsant le théâtre, les vaudevilles, la comédie et les minstrel shows, ces spectacles où des acteurs blancs étaient déguisés en Noirs.
Ce livre apporte un nouvel éclairage sur le phénomène circassien. Grâce à des trésors de photographies immortalisant des pionniers du cirque, ainsi que des affiches, des lithographies, des bannières d'attractions et des gravures originales du XVIe au XIXe siècle illustrant les origines du cirque à travers le monde, les lecteurs sont transportés dans un univers de sensations fortes et de savoir-faire, de sueur et de paillettes. Entre autres clous du spectacle, vous découvrirez des photos de cirque emblématiques signées Mathew Brady, Cornell Capa, Walker Evans, Weegee et Lisette Model, et des clichés peu connus de Stanley Kubrick ou Charles et Ray Eames.
Publication inégalée en matière d'architecture et de design, le « journal vivant » domus fut créé en 1928 par Gio Ponti. Au fil des ans, durant les décennies qui suivirent, la revue couvrit les principaux thèmes et mouvements du design industriel, d'intérieur, de produit et de structure, dans un souci d'excellence créative et de rigueur éditoriale.
Cette nouvelle réédition présente la façon dont domus a couvert les évolutions qui ont marqué les années entre 1928 et 1939. Cette période est reconnue comme ayant marqué l'émergence du Style international, lorsque Le Corbusier, Mies van der Rohe, Marcel Breuer, Alvar Aalto et Richard Neutra ont appliqué les idées modernistes pour créer des formes rectilignes, des surfaces dépouillées et des intérieurs ouverts et lumineux. Les reportages de domus durant ces années décisives en retracent les détails et les formes grandioses. Des gratte-ciels d'acier à la hauteur vertigineuse aux meubles tubulaires, les articles forment un indispensable compte rendu de la façon dont ont été combinées la lumière, les structures et l'esthétique épurée dans une quête de la forme juste et utilitaire, adaptée à un âge en voie d'industrialisation rapide.
Domus comprend Sept volumes couvrant la période de 1928 à 1999 Plus de 4.000 pages abordant les grands projets des designers et architectes les plus importants Les maquettes originales et l'ensemble des couvertures, accompagnées de légendes fournissant des repères et des informations sur le contexte Essais introductifs écrits par des architectes et des designers de renom Chaque édition comprend en annexe la traduction anglaise des textes, certains n'étant jusqu'à maintenant accessibles qu'en italien Un index complet des noms des designers et des fabricants dans chaque volume
«La tour s'offre au monde entier... Symbole universel de Paris... Du Midwest à l'Australie, pas un voyage en France ne soit pas fait, en quelque sorte, au nom de la Tour.»
- Roland Barthes
Lorsqu'en 1889, Gustave Eiffel acheva sa tour en fer forgée, construite sur le Champ de Mars à Paris, pour l'Exposition universelle, il affirma qu'elle était la plus haute du monde. Même si, 41 ans plus tard, le Chrysler Building la dépassa en taille, la tour Eiffel n'a rien perdu de sa noblesse: autorisée à l'origine à ne demeurer que 20 ans, la Tour est finalement devenue un monument permanent qui attire irrésistiblement le regard dans le ciel parisien. Imposante de jour, scintillante la nuit, elle n'a cessé de fasciner francophiles et amoureux, écrivains, artistes et rêveurs du monde entier et accueille près de 7 millions de visiteurs par an.
Réalisée à partir de l'édition limitée du folio d'origine publié par Gustave Eiffel en personne, cette nouvelle édition TASCHEN retrace le projet et la réalisation de cette remarquable construction. Pas à pas, un étage après l'autre, la forme emblématique voulue par Eiffel se dessine à travers les planches reproduites en double- page, les croquis minutieux et les photographies d'époque présentés dans cette édition, qui comprend en complément de nouvelles images et des précisions supplémentaires sur le contexte historique. Le résultat constitue autant une mine d'informations sur ce trésor d'architecture vintage qu'il offre une compréhension unique des idées à l'oeuvre derrière ce monument.
